Votre panier est vide
Une pin-up est une femme dont l'attrait physique inciterait à placer une photo d'elle sur un mur. Le terme a été attesté pour la première fois en anglais en 1941, mais la pratique est documentée au moins depuis les années 1890.
Les images des "pin-up" pouvaient être découpées dans des magazines ou des journaux, ou être tirées de cartes postales ou de chromo-lithographies, etc. Ces photos apparaissent souvent sur des calendriers, qui sont de toute façon destinés à être épinglés. Plus tard, des affiches de "pin-up girls" ont été produites en série.
De nombreuses "pin-up" étaient des photos de célébrités qui étaient considérées comme des symboles sexuels. L'une des premières pin-up les plus populaires était Betty Grable. Son affiche était omniprésente dans les casiers des GI pendant la Seconde Guerre mondiale.
D'autres pin-up étaient des œuvres d'art, représentant souvent des versions idéalisées de ce à quoi certains pensaient qu'une femme particulièrement belle ou attirante devait ressembler. Un exemple précoce de ce dernier type est la fille Gibson, dessinée par Charles Dana Gibson.
Le genre a également donné naissance à plusieurs artistes connus spécialisés dans ce domaine, dont Alberto Vargas et George Petty, et à de nombreux artistes moins connus comme Art Frahm.
De nos jours, les hommes peuvent également être considérés comme des "pin-up" et il existe des équivalents masculins d'acteurs séduisants et sexy comme Brad Pitt ou de nombreux modèles masculins. Le terme équivalent à "cheesecake" est "beefcake".
L'homme préhistorique avait évidemment une certaine vénération pour la forme féminine, à en juger par les sculptures paléolithiques de femmes bien dotées. Les anthropologues ne savent pas s'il s'agit de symboles de fertilité ou de talismans érotiques transmis par les chasseurs de chevaux. Ces Venuses ont servi un besoin ou le bien commun d'une manière ou d'une autre, même si elles ne suivent pas notre définition stricte de la pin-up...
Les Grecs de l'Antiquité n'avaient pas honte des normes modernes en ce qui concerne l'acceptation de la figure nue. Les premiers Jeux olympiques étaient contestés par des athlètes nus. Des athlètes masculins. Pourtant, il existe de nombreux exemples de déesses helléniques, toutes en déshabillé à la mode.
Les dieux grecs avaient également tendance à interagir avec de simples mortels dans de nombreuses histoires charnelles. La représentation de ce genre de rencontres exige un certain degré de participation, de compréhension et d'implication du public.
À Pompéi et dans le monde romain, l'art érotique était intégré dans le tissu de la vie quotidienne. Des représentations sexuelles franches ont été trouvées sur les marchés publics, dans des peintures murales et des sculptures.
Lorsque le christianisme est devenu la religion officielle de l'État sous l'empereur Constantin au IVe siècle, l'imagerie "païenne" immorale a été bannie et repoussée dans la clandestinité. Ainsi, à moins que vous n'ayez un fétiche pour Marie-Madeleine, l'âge des ténèbres avait commencé. Au-delà des objets religieux et des arts décoratifs, il y avait peu de représentation des plaisirs sacrilèges de la chair à l'époque médiévale.
Lorsqu'une classe marchande pourrait soutenir les artistes au lieu de la seule Église, une nouvelle définition de la beauté féminine pourrait être commandée. Avec les bâtiments municipaux et les villas privées à décorer dans les villes-états d'Italie, les mythes et les personnages historiques de la Rome antique ont fourni un matériel abondant.
Léda et le Cygne, la naissance de Vénus et d'autres fables ont fourni des excuses pratiques pour montrer des nus sympathiques. Toutes les facettes de la science et de l'humanisme séculier ont été mises à contribution pour créer le grand ensemble d'œuvres connu sous le nom de Renaissance.
Ces valeurs classiques ont été transmises par Da Vinci (1452-1519), Michel-Ange (1475-1564), Titien (1485-1576) et d'autres.
En Europe, au cours des années 1800, il y a eu des mouvements pour échapper aux excès des périodes baroque et rococo et revenir à la simplicité classique. Le néoclassicisme a été formalisé en Europe comme une émanation de l'art académique et, une fois de plus, les personnages populaires du passé ont été représentés par des modèles pour la plupart nus, tels que "Psyché" de Paul Thurman.
Les orientalistes pouvaient afficher sans reproche des figures alegoriques nues dans des décors exotiques luxuriants. L'odalisque, ou concubine de harem, était un sujet populaire. Au XIXe siècle également, le classicisme a été poussé à l'extrême par le mouvement anglais appelé les préraphaélites.
Bien que leur stricte adhésion aux styles de la Renaissance n'ait pas duré longtemps, leurs œuvres ont eu une grande influence sur l'âge d'or de l'illustration.
Parmi les premières influences américaines dans le domaine de l'illustration de magazines et d'imprimés, citons Howard Pyle (1853-1911), son école Brandywine et des étudiants tels que N. C. Wyeth (1882-1945), Harvey Dunn (1884-1952), Frank Schoonover (1877-1972) et Maxfield Parrish (1870-1966). Dean Cornwell (1892-1960), John La Gatta (1894 - 1976) et Andrew Loomis (1892-1959) ont également joué un rôle important dans l'illustration de magazines et de publicités. Les mouvements Art et Artisanat et Art Nouveau décoratif en Europe ont également contribué à l'art et aux styles de l'époque.
À quoi sert une œuvre d'art si seuls quelques privilégiés peuvent la voir ?
Le Moyen Âge offrait des manuscrits enluminés, accessibles uniquement aux riches mécènes. Même le développement de l'imprimerie n'a pas démocratisé l'illustration en raison de la petite échelle et du processus laborieux de production des graphiques. Le croisement de l'économie et de la technologie a permis d'améliorer les moyens de diffusion au cours des deux derniers siècles.
La lithographie a été inventée à la fin du XVIIIe siècle. La naissance de la photographie peu après a fourni de nouvelles techniques d'impression et l'adoption de la méthode offset au début du XXe siècle a permis de réaliser des travaux d'impression plus importants, plus rapides et de meilleure qualité. Une fois que les documents imprimés ont été mis à la disposition d'un vaste public, on dit que l'âge d'or de l'illustration a commencé.
L'âge d'or est commodément placé entre 1880 et 1920, bien que certains arguments puissent le faire remonter à la fin de la guerre civile jusqu'à la seconde guerre mondiale.
Le développement de l'impression économique à grande vitesse et l'augmentation de l'alphabétisation ont permis de constituer un public considérable pour les seules formes de communication de masse disponibles à l'époque : Livres, journaux et magazines.
Les éditeurs et, plus tard, les agences de publicité se sont mis en concurrence pour les services de ces artistes, tels que Norman Rockwell (1894-1978), qui pouvaient générer des images mémorables pour la consommation de masse, souvent dans des délais très courts.
Après la guerre, l'extrémité réaliste du spectre a été confiée à des photographies de qualité variable. Avec une telle surabondance de magazines à remplir, les photographes compétents et les modèles attrayants se font rares. Le monde de l'art a été dépassé par les impressionnistes abstraits, un style qui n'est pas compatible avec le genre des pin-up !
Si l'on peut dire que l'art est le miroir de la société, la pin-up occupe une place d'honneur particulière dans l'art moderne, notamment celui de la seconde moitié du XXe siècle.
Avant cela, Duchampet les dadistes ont exploré le concept de ce qui constitue l'art. Une peinture d'une pipe, une "fontaine" faite à partir d'un urinoir et d'autres œuvres ont remis en question le rôle que jouait un artiste par rapport au monde qui l'entoure.
Des images provocatrices, particulièrement utilisées dans la publicité, se trouvaient sur le fil du rasoir entre le sexe et le commerce. Avec l'augmentation de la consommation, notamment après la Seconde Guerre mondiale, l'icône de la lanceuse était particulièrement mûre pour le lampotage.
La révolution de l'Art Populaire (pour Populaire) avait commencé. En s'inspirant de figures ataviques comme Marilyn Monroe ou d'un symbole sexuel anonyme, la réalité est traitée et emballée
Voir le top 15 des plus belles robes de Marilyn
Comme les œuvres de ces artistes sont exposées dans des musées, des galeries et des livres de table à café, elles ne passent pas strictement le test de la désignation de pin-up produite en série. Pourtant, leur existence même prouve à quel point le modèle de pin-up est durable.
En outre, plusieurs artistes contemporains comme Nagel, Kacere et Koons réaffirment ce que c'est que de prendre le contrôle de ses médias et d'utiliser une approche photoréaliste ou picturale.
Voir tout les tableaux de Marilyn !
Les antécédents modernes de la pin-up remontent à la Gibson Girl en Amérique, qui a fait ses débuts en 1887, et aux affiches Art Nouveau d'Alphonso Mucha et de Jules Cheret en Europe. Le prototype de la carte postale de pin-up du XIXe siècle, Raphael Kirchner, a contribué à la création du format "jolie fille".
L'art populaire dominant, tel que "Psyché au miroir de la nature" de Paul Thumann, vu pour la première fois dans le numéro de décembre 1893 de Munsey, devient également acceptable par le public.
Les boissons White Rock l'adoptent alors comme marque de fabrique et, en 1947, le psyché modeste assiste aux fêtes les seins nus ! Deux icônes du glamour ont suivi la Gibson Girl, celles de Howard Chandler Christy et de Harrison Fisher.
Au début du siècle, le calendrier était la forme la plus répandue de matériel de pin-up, en particulier les premiers formats "glamour girl" d'Angelo Asti. En 1913, le nu controversé "September Morn" de Paul Chabas a été censuré par la New York Society for the Supression of Vice.
Pourtant, l'image a ensuite été imprimée sur des centaines de milliers de calendriers, en plus des boîtes de bonbons, des cartes postales et autres. La période Art déco a également rendu respectable tout art présentant de la nudité romantique, comme celui de Mabel Rollins Harris, Maxfield Parrish et Hy Hintermeister.
Dans les années 1920, l'âge d'or de l'illustration est en pleine floraison. La nouvelle industrie cinématographique a alimenté l'appétit du public pour les magazines consacrés à leurs héros en celluloïd. Dans les années 1800, un aperçu de la cheville nue d'une femme pouvait être considéré comme scandaleux.
Comparez cela avec les filles ouvertement sexuelles des années folles d'Enoch Bolles, George Quintana et Earle K. Bergey, une génération plus tard ! De même, les entreprises et les agences de publicité se disputaient les services d'artistes talentueux pour créer des identités auxquelles le public répondrait.
L'une des grandes icônes de la publicité américaine d'avant-guerre était l'homme au t-shirt fléché, brillamment représenté par J.C. Leyendecker. Bien que Leyendecker soit surtout connu pour ses représentations d'hommes, il a eu une profonde influence sur des illustrateurs populaires tels que Norman Rockwell et beaucoup d'autres qui ont suivi.
Alors que la culture populaire dévorait ses fantasmes voyeuristes interdits dans les magazines à sensation, et plus tard dans les livres de poche, une autre tendance avait commencé à légitimer la pin-up comme une forme d'art sérieuse : Les périodiques de luxe tels que Esquire (un important prédécesseur de Playboy), Cosmopolitan, The Saturday Evening Post et d'autres encore ont offert des tarifs plus élevés pour les sourcils.
Les représentations Art déco de la forme féminine étaient considérées comme suffisamment de bon goût pour être incluses dans ces magazines. Alberto Vargas est un personnage pratique, car nous voyons son style évoluer de timide à plus explicite. Le fait qu'il ait commencé à Esquire et fini à Playboy constitue également un baromètre des tendances au sein des pin-up.
Pendant que Vargas peaufinait le concept de la page centrale, un de ses contemporains cherchait un lieu encore plus en vue, celui d'artiste commercial superstar.
George Petty avait travaillé pour Esquire (Vargas l'a remplacé après une dispute sur le salaire), mais la "Petty Girl" a fait parler d'elle des années 1930 aux années 1950. La "Petty Girl" présentait une gamme étourdissante de produits à un public national. Elle s'est tellement ancrée dans la conscience du public qu'un film a été tourné sur elle, une icône fictive peinte à l'aérographe.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, des pin-up accompagnaient les G.I. sous la forme de photos de stars de cinéma comme Betty Grable et Rita Hayworth. Les pin-ups de Vargas étaient également très présentes dans les casernes et en tant que pièces d'artillerie de l'armée de l'air.
En outre, la Louis F. Dow Calendar Company a produit des livrets spéciaux de pin-up créés par leur artiste vedette Gillette Elvgren pour être envoyés à l'étranger. Consultez les kits de pin-up militaires de la Collector's Press par exemple.
Après la guerre, Christian Dior a introduit son "nouveau look", les restrictions de guerre sur les articles de luxe tels que les bas de nylon ont été levées et les sous-vêtements ont finalement fait la transition vers deux pièces distinctes, le soutien-gorge et la gaine.
La société avait dépassé les androgynes et les années 1930, économiquement déprimées, pour entrer dans une nouvelle ère de prospérité. Le mouvement vers la commercialisation était bien engagé.
Si une jolie fille en bonne santé pouvait être utilisée pour vendre un produit, pourquoi pas une fille en bas qui se montre modestement (mais c'est toujours une "bonne fille" - ce n'est pas sa faute si un chiot enjoué a tiré sa jupe par-dessus sa tête !) Si quelqu'un est responsable de l'explosion de belles pichets vibrants, c'est bien l'artiste de Chicago Haddon Sundblom.
La technique à l'huile luxuriante de Sundblom a influencé une liste de pin-up importantes. L'élève le plus célèbre est Gil Elvgren, qui a travaillé à l'agence de publicité Stevens-Gross de Sundblom aux côtés d'artisans aussi remarquables qu'Al Buell, Harry Ekman, Bill Medcalf et Joyce Ballantyne.
Leur technique consistant à utiliser d'épaisses couches de peinture pour obtenir une chaleur et une luminosité a été surnommée "l'école de la mayonnaise". Parmi les autres descendants de ce style d'illustration lumineuse, on peut citer Donald "Rusty" Rust, Art Frahm, Peter Driben, Edward D'Ancona, Edward Runci, Vaughan Alden Bass, Al Brule et Pearl Frush.
Indépendamment des comptes nationaux pour des produits et services spécifiques, il existait d'autres marchés fertiles pour l'art des pin-up. Brown & Bigelow, par exemple, se considère comme une entreprise de "publicité du souvenir".
Ils produisent des fournitures de bureau, des cartes à jouer et des calendriers, dont beaucoup sont conçus pour être imprimés par de petites entreprises, puis distribués à titre de promotion. Ils emploient certains des meilleurs talents pour concevoir des œuvres d'art génériques et spécifiques à leur secteur d'activité.
Bien que, comme d'autres éditeurs de calendriers, ils produisent parfois des produits nus ou "racés", ils cherchent à ne pas s'aliéner leur clientèle conservatrice ou religieuse avec de tels produits.
Brown & Bigelow a également soutenu plusieurs styles de pin-up. En plus des peintures à l'huile réalistes et directes d'Elvgren et d'autres, ils utilisent également des pastels, comme ceux de Rolf Armstrong, Earl Moran, Billy de Vorss et Zoe Mozert. Ils sont à l'origine du genre "carnet de croquis", créé par Earl MacPherson et utilisé avec succès par Ballantyne, T.N. Thompson, Fritz Willis, K.O. Munson, Freeman Elliot, Ted Withers et d'autres.
Playboy a fait sensation avec la page centrale de Marilyn Monroe en 1953. Jusqu'à cette époque, c'est surtout Esquire qui a offert des opportunités à une génération d'artistes pin-up, dont Ben-Hur Baz, Ernest Chiriaka, Mike Ludlow et J. Frederick Smith. Bien qu'Esquire ait déjà présenté des pin-up photographiques, celles-ci ne contenaient jamais de nudité apparente.
Une note intéressante sur le mouvement Pop Art des années 1960 est le travail de Mel Ramos, qui a combiné des pin-up nues avec des images d'entreprise reconnaissables pour un mélange satirique de gâteau au fromage et de mercantilisme.
Un autre artiste moderne à mentionner est Patrick Nagel, qui est mort tragiquement au début de sa carrière prometteuse. Bien que l'œuvre de Nagel ait l'esthétique froide des planches de bois et n'invite pas le spectateur à une représentation réaliste, le fait que ses peintures originales, et celles de ses contemporains modernes, commandent des prix incroyables témoigne de l'attitude actuelle envers le sujet de la pin-up en tant que forme d'art moderne.
L'introduction de magazines masculins explicites (Penthouse a introduit le monde des poils pubiens en 1970) a donné à ces représentations innocentes une apparence désuète et démodée. La photographie était un moyen rapide et facile de satisfaire les pressions des délais mensuels.
Les symboles sexuels d'aujourd'hui semblent être composés de sensations adolescentes préemballées, de quasi-vedettes de porno en silicone et de "top-modèles" anorexiques.
Les pin-up modernes comme Olivia de Berardinis, Hajime Sorayama, Carlos Cartagena, Jennifer Janesko, Alain Aslan et John Kacere ont tourné leur vision vers des sujets fantaisistes ou fétichistes photoréalistes et n'ont pas l'innocence de leurs prédécesseurs. (Beaucoup ont également tendance à se spécialiser dans l'aérographe, une technique qui peut laisser un aspect froid, dur et artificiel).
Il y a encore ceux, comme Dave Stevens, qui n'ont pas oublié comment dessiner une bonne fille dans une mauvaise situation sans nous montrer tous les détails anatomiques de ses sujets.
Nous devons remercier Dave, non seulement pour avoir créé le personnage du Rocketeer, mais aussi pour avoir ravivé l'intérêt pour la grande pin-up photo des années 1950, Bettie Page.Nous aimons aussi particulièrement certains illustrateurs européens modernes tels que Milo Manara. (Il y a aussi Eric Stanton, qui nous a fourni de mauvaises filles dans de mauvaises situations, mais c'est le contraire du cheesecake !)
Les commentaires sont approuvés avant leur publication.
