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Il serait impossible d'arriver à un Non I unanime, avec des milliers de films et un siècle à parcourir, mais y a-t-il quelqu'un qui aime les westerns et qui n'aime pas The Searchers ?
John Ford a peut-être écrit le langage du film Western in Stagecoach, mais avec The Searchers, il a fait preuve d'une maîtrise de la narration visuelle pour créer un film qui est l'équivalent cinématographique de la Joconde. Inégalé en son temps, The Searchers est devenu une icône pour ceux qui prennent leurs films au sérieux.
Francis Ford Coppola, George Lucas, Steven Spielberg et Martin Scorsese le classent parmi leurs influences cinématographiques les plus profondes. Même les cinéphiles qui n'ont jamais fréquenté l'école de cinéma débattent des meilleurs plans de caméra du film.
Si cela rend le visionnage de The Searchers aussi passionnant que d'assister à une conférence en classe, rien n'est plus éloigné de la vérité. Les sept années de recherche d'Ethan Edwards pour retrouver sa nièce, kidnappée par des Indiens, ont eu un retentissement dramatique de poésie épique.
Aigri et fanatique, Edwards entreprend une quête intérieure de la grâce qui reflète son voyage à travers Monument Valley. Les quêtes se terminent simultanément, alors qu'Edwards, qui avait prévu de tuer la jeune fille plutôt que de la voir élevée comme une sauvage, la soulève triomphalement dans les airs et la berce amoureusement dans ses bras, en prononçant quatre mots qui font pleurer les fans occidentaux : "Let's go home, Debbie."
Mais il n'y a pas de maison pour Ethan. Il en a trop vu, trop fait, pour être accepté dans la société polie. Dans la scène finale classique, Ethan rend Debbie à sa famille mais ne peut pas franchir le seuil de leur cabane. Il reste à l'extérieur, encadré dans l'embrasure de la porte, destiné à errer toute sa vie sans le confort de la maison et du foyer.
L'intransigeance de John Wayne dans le portrait d'un des héros tragiques les plus féroces du cinéma aurait dû lui valoir un Oscar.
Mais il faudra attendre plus d'une douzaine d'années avant que Wayne ne décroche finalement un Oscar pour son interprétation du maréchal Rooster Cogburn dans True Grit (n° 60).
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Saluée à sa sortie comme une pierre de touche dans l'évolution de l'Occident, Stagecoach est ostensiblement un récit simple de huit passagers voyageant en territoire hostile.
Mais sous la surface, le scénario de Dudley Nichols a examiné les dynamiques conflictuelles entre les personnages - hommes et femmes, Nord et Sud, sourcils hauts et bas, vaillants et lâches - et les façons fascinantes dont ces dynamiques changent au cours du voyage.
La décision de John Ford de choisir John Wayne n'a pas plu au producteur Walter Wanger, qui voulait Gary Cooper. Mais lorsque Stagecoach est devenu un modèle pour le genre, The Ringo Kid a établi le personnage de John Wayne : un homme fort et indépendant qui vit selon un code moral qui n'est pas toujours conforme à la loi du pays.
Il est respectueux envers les femmes, mais maladroit et timide quand il s'agit de romance. La demande en mariage de Ringo à la prostituée Dallas (Claire Trevor), faite la tête baissée et la voix vacillante, est une sorte de moment calme et poignant que l'on ne trouve pas dans les westerns avant la diligence.
La scène d'entrée de John Wayne semble avoir été délibérément conçue pour introduire une nouvelle présence significative dans le genre, car le plan d'ensemble de la diligence en mouvement se rapproche rapidement d'une figure au loin. Wayne force la diligence à s'arrêter.
Il se tient debout, les jambes écartées, une selle en bandoulière, faisant tournoyer sa Winchester personnalisée. "On dirait que vous avez un autre passager", dit-il au conducteur Andy Devine, et les films de western ne seraient plus jamais les mêmes.
Shane n'est pas seulement une histoire de l'Ouest, c'est toutes les histoires de l'Ouest : les éleveurs contre les colons, l'apprivoisement de la frontière, l'épreuve de force entre le bien et le mal, et le tireur qui protège la loi et l'ordre (Alan Ladd), qui se sent alors hors de sa place une fois le travail terminé.
Les jeunes téléspectateurs ont tendance à découvrir Shane à travers les yeux de Brandon De Wilde et à partager son culte du héros de l'étranger en peau de daim avec le revolver à poignée de perle.
Shane a la parole douce et polie ("J'espère que ça ne vous dérange pas que je coupe à travers votre place"), mais sa réaction au bruit soudain trahit son identité de tireur. Alan Ladd ne mesurait peut-être qu'1,80 m, mais pour le petit Joey (De Wilde), sa présence est plus grande que nature.
Lorsque ces mêmes spectateurs grandissent et reviennent dans le film, ils voient les couches émotionnelles des relations entre adultes, qui ajoutent une plus grande résonance à l'histoire.
Marian (Jean Arthur) met en garde Joey contre le fait de s'attacher trop à Shane, mais il est clair qu'elle essaie de se mettre en garde elle-même. Son mari Joe (Van Heflin) reconnaît son attirance ainsi que la façon dont son fils idolâtre Shane, mais il ne fait rien, espérant que Shane fera la bonne chose le moment venu.
Chaque scène fonctionne, chaque représentation sonne juste. Le réalisateur George Stevens transforme l'enlèvement d'une souche d'arbre en un moment d'exaltation.
Les sourires que Shane et Joe échangent lorsqu'ils renversent la situation dans leur bagarre de magasin général sont irrésistiblement contagieux. Jack Palance, en tant qu'incarnation du mal, a établi une norme de méchanceté occidentale qui n'est pas encore dépassée. Et les cris plaintifs de De Wilde "Come back, Shane !" au fondu enchaîné résonnent encore dans la mémoire.
Le titre fournit le premier indice de l'intention de John Ford. Bien que My Darling Clementine soit basé sur la biographie douteuse de Wyatt Earp, Frontier Marshal, et suive les événements qui ont précédé la fusillade de l'OK Corral, Ford se concentre sur la romance entre Wyatt (Henry Fonda) et Clementine (Cathy Downs).
La fusillade, bien que passionnante, est loin d'être la scène la plus mémorable du film. Les moments les plus calmes - la danse de l'église, la scène hilarante du tonique pour les cheveux, le soliloque shakespearien de Doc - sont les plus indélébiles.
C'est le plus beau western en noir et blanc jamais réalisé. En fait, il vaut la peine de le regarder une fois sans le son pour mieux apprécier le clair-obscur créé par le directeur de la photographie Joseph MacDonald.
C'est à la télévision tout le temps - TBS, AMC, TNT - le réseau alimentaire et Animal Planet sont probablement les prochains. Et si elle apparaît pendant un surf sur une chaîne, vous ne pouvez pas l'éteindre, que ce soit près du début, lorsque Yul Brynner recrute son équipe de mercenaires, ou lorsque les "Sept" entrent dans le village mexicain, au rythme effréné du "Bomp-BUMP-Bump-Bomp" du score d'Elmer Bernstein, ou au point culminant du film pendant la fusillade des crackerjacks avec les raiders vicieux menés par le démoniaque Calvera (Eli Wallach).
Il est basé sur le film d'Akira Kurosawa Les sept samouraïs, mais ce n'est pas une pièce de musée de haut niveau. Alors que les quatre films précédents de cette liste sont à juste titre salués comme de l'art cinématographique, The Magnificent Seven n'a pas d'autre prétention que d'être le film de pop-corn de cow-boy ultime.
C'était un western à une époque où personne d'autre ne les fabriquait. Il a duré six heures, alors que l'attention nationale s'était réduite à la longueur d'une vidéo de Madonna.
Il mettait en scène Robert Duvall, la cinquantaine, et Tommy Lee Jones, la quarantaine, alors que les publicitaires de la télévision ne s'intéressaient qu'au marché des jeunes.
Et il a été produit par Motown, ce qui n'avait aucun sens. Mais en 1989, pendant quatre nuits en février, on avait l'impression que tout le monde regardait Lonesome Dove. L'histoire de Larry McMurtry de deux Texas Rangers à la retraite et leurs conversations et aventures lors d'une transhumance cherchait à "dépouiller le vieil Ouest de son glamour".
Mais c'était aussi une célébration de l'amitié, de la loyauté et de l'endurance aux épreuves, vertus longtemps associées au genre.
Aucun western classique ne divise plus les fans de cinéma que le film High Noon. Carl Foreman, un scénariste sur liste noire, a basé le film sur son expérience personnelle, d'où l'attitude froide que le maréchal Will Kane reçoit lorsqu'il demande de l'aide à sa communauté.
John Wayne et Howard Hawks sont indignés que Kane tente de recruter des amateurs dans son combat et font Rio Bravo pour rappeler aux spectateurs comment l'Ouest a été gagné. Mais le public a adoré High Noon, avec son héros vulnérable (Gary Cooper, qui a remporté l'Oscar du meilleur acteur), la charmante nouvelle venue Grace Kelly et la chanson thème obsédante.
Le film était tendu et plein de suspense, son histoire racontée sur les visages de ses personnages et avec le tic-tac implacable de l'horloge.
"Non pas que cela importe, mais l'histoire suivante est vraie." La formule de William Goldman, "l'histoire avec un rebondissement", mélange les faits et la légende pour créer une aventure pleine d'entrain.
Butch et Sundance n'ont peut-être pas été aussi désinvoltes ou beaux que Paul Newman et Robert Redford, mais le scénario de Goldman est resté proche des faits tels qu'ils sont connus, et si Butch et Sundance n'ont pas vraiment sauté de cette falaise pour échapper à un groupe, ils auraient dû le faire.
La puissante chimie de Redford et Newman a inspiré des légions de tentatives d'imitation. Le duo a donné naissance à lui seul au "Buddy Film", et l'influence durable de Butch Cassidy et du Sundance Kid se retrouve dans des films aussi divers que 48 Hours et Shanghai Noon.
Nous savions, nous avons toujours su, même en acclamant la cavalerie dans d'innombrables films, que l'histoire est écrite par les vainqueurs des conflits du monde, et la population autochtone d'Amérique en a fait les frais.
Avec Dances With Wolves, nous avons enfin vu l'autre facette de l'histoire, et combien il était approprié de la voir à travers les yeux d'un soldat américain. Dances With Wolves est devenu une croisade personnelle pour Kevin Costner, qui a coproduit, réalisé, tenu le premier rôle et obtenu des financements à l'étranger après le passage d'une série de studios hollywoodiens.
Sa passion a été récompensée par sept Oscars et un réveil de notre conscience nationale.
C'est le film que Clint Eastwood a dû faire, avant que le personnage impassible qu'il a créé à travers les films de Sergio Leone et son autre signature, Dirty Harry, ne devienne un piège pour la presse. Dans son livre de 1976, The Filming of the West, l'historien du cinéma John Tuska a prédit que la carrière d'Eastwood n'allait probablement pas durer.
Cette même année, le hors-la-loi Josey Wales a introduit un nouveau type de personnage Eastwood, toujours calme, toujours mortel, mais aussi compatissant et émotionnellement vulnérable.
Le titre décrit comment la société jugera Josey Wales - un hors-la-loi uniquement en fonction des circonstances - mais lorsque sa quête est terminée, il redevient le fermier Josey Wales dans une scène qui offre de l'espoir pour l'avenir.
Même ceux qui voudraient reléguer les westerns télévisés à un statut inférieur à celui de leurs homologues cinématographiques - et nous savons que vous allez nous donner des nouvelles - doivent reconnaître la grandeur de Gunsmoke.
La série s'est étendue sur deux des décennies les plus marquantes de l'histoire de la culture pop américaine, de Marilyn Monroe à Farrah Fawcett ; de "Rock Around the Clock" à "The Hustle" ; de "The Searchers" au "Godfather".
Dans tout cela, il y avait James Arness dans le rôle du maréchal Matt Dillon, grand sur la selle et n'ayant peur de rien, sauf peut-être de son mariage avec Miss Kitty.
Y a-t-il jamais eu un couple romantique plus improbable que celui de Tom Destry, homme de loi décontracté et buveur de lait de Jimmy Stewart, et de Marlene Dietrich, chanteuse paillarde à l'accent allemand et au nom inexplicable de Frenchy ?
Destry Rides Again regroupe des chansons mémorables (le "See What the Boys in the Back Room Will Have" de Dietrich) et des scènes mémorables (un combat de chattes féroce entre Dietrich et Una Merkel) en 94 minutes sans faille.
Le film aurait été plus long si certaines lignes avaient passé la censure, comme lorsque Dietrich gagne une main de poker et fait tomber les pièces dans son chemisier, incitant un cow-boy à dire : "Il y a de l'or dans ces collines".
Connaître le lien entre Rio Bravo et High Noon permet de découvrir une tranche intéressante de l'histoire d'Hollywood, mais ce n'est pas une condition préalable pour profiter de son mélange exaltant d'action, de comédie, de romance et de musique.
Dean Martin et Angie Dickinson rejoignent les anciens John Wayne et Walter Brennan, et si le casting de Ricky Nelson était une tentative flagrante d'Howard Hawks pour booster le box-office avec des adolescentes, au moins le gamin a contribué à un beau duo avec Martin sur la ballade "My Rifle, My Pony and Me". Et regardez le bon côté des choses, ça aurait pu être Fabian.
"L'homme le plus rapide avec un fusil qui ait jamais vécu... était un Texan long et maigre nommé Ringo." Nous avons vu les tireurs comme des héros et des méchants, des hommes de loi et des mercenaires. Mais Jimmie Ringo (Gregory Peck) est le tireur en tant que célébrité.
Piégé par la célébrité, sujet de ragots, de mépris et d'adulation, Ringo ne peut pas commander un verre dans un bar sans attirer l'attention. "Il ne m'a pas l'air si dur", ricanent nombre de punks envieux. Derniers mots célèbres.
Red River s'adresse aux cinéphiles qui n'aiment pas les westerns, mais qui découvrent inévitablement que, oui, John Wayne peut jouer et que, oui, les films sur les cow-boys et les promenades en bétail peuvent porter sur autre chose que les cow-boys et les promenades en bétail.
Des allusions à Mutiny on the Bounty imprègnent le conflit père-fils entre Wayne et Montgomery Clift, et leur combat à mains nues symbolise leur véritable rivalité "vieux Hollywood contre jeune Hollywood".
Le happy end a divisé le public, mais le réalisateur, Howard Hawks, a trop aimé les deux personnages pour laisser l'un ou l'autre périr, et il est difficile de lui reprocher sa décision.
De récentes études ont favorisé Once Upon a Time in the West comme couronnement de Sergio Leone, mais pour ceux qui ne peuvent pas séparer l'oeuvre de Leone de son personnage le plus célèbre, The Good, the Bad, and the Ugly est le western spaghetti ultime.
Il en possède tous les éléments caractéristiques : des paysages poussiéreux et désolés, des personnages amoraux comme Tuco (Eli Wallach) qui ne sont motivés que par le profit, une épreuve de force dans une arène circulaire, suggérant des gladiateurs dans un colisée, une partition incomparable dont le thème de sifflement, d'Ennio Morricone, est immédiatement reconnaissable, et Clint Eastwood dans le rôle de l'homme sans nom vêtu de sérums et écrasant des chérubins.
Ce film n'a jamais eu de chance en 1961, lorsque sa star et son réalisateur, Marlon Brando, a passé trois ans à s'occuper de tous les angles de caméra et de la lecture des lignes.
La nouvelle s'est répandue que l'acteur new-yorkais était en train de réaliser un western artistique, et One-Eyed Jacks est sorti dans un mélange de critiques glaciales et d'indifférence du public.
Aujourd'hui, l'histoire oubliée, nous chérissons cette saga pleine de tromperie de deux anciens complices, l'un obsédé par la vengeance mais toujours capable de se racheter, l'autre cachant une nature sauvage derrière un badge de shérif.
Pour les membres de la génération X qui ne connaissent Brando que comme le gars qui a embrassé Larry King, voici la preuve qu'il était une fois un homme cool.
La meilleure séquence du générique de début se termine par le grognement de William Holden "Si ils bougent... tuez-les !" suivi de l'arrêt sur image aux tons sépia "Réalisé par Sam Peckinpah."
Ça dit tout. Le montage original de 144 minutes du réalisateur a été coupé presque immédiatement après la sortie du film, mais il a été restauré pour la sortie vidéo et DVD.
Les nouvelles scènes approfondissent le lien entre Pike (Holden) et Robert Ryan, ancien membre de Bunch, devenu chasseur de primes sur la piste de Holden. Après 30 ans, nous découvrons enfin comment Pike a pu boiter.
Rance Stoddard (James Stewart) joue un avocat pitoyablement doux, incapable de tuer le sadique hors-la-loi Liberty Valance. Mais c'est ce que l'histoire a enregistré car "quand la légende devient un fait, imprimez la légende".
Lee Marvin nous donne un merveilleux méchant pour l'éternité, et les imitateurs de John Wayne ont trouvé un élément de base pour leur acte dans les références humiliantes du Duc au personnage de Stewart en tant que "Pilgrim".
Deux courts métrages de style western ont en fait été créés avant la production de The Great Train Robbery : en 1898, Thomas Edison a filmé les séquences de cinq minutes Cripple Creek Bar-room et Poker à Dawson City.
Mais c'est The Great Train Robbery, une reconstitution d'un casse par le très populaire Butch Cassidy et sa bande de sauvages quelques années plus tôt, qui marque le véritable début du western.
Nous nous en souvenons tristement, et la vérité est que nous ne devrions pas. Bien qu'il soit impossible de déconnecter la réalité de la fiction lorsque E.W. Hostetler (Jimmy Stewart) dit à John Bernard Books (John Wayne), "You've got cancer" (Wayne a succombé à la maladie en 1979), aucune star de cinéma n'a fait mieux pour saluer la fin.
Avec sa performance dans The Shootist, le Duc a offert un dernier valentin à ses fans (et à sa compagne Lauren Bacall), une dernière framboise à ses critiques et une élégie à l'Ouest américain qui - pour paraphraser Andrew Sarris - représente la survie de certaines vertus résiduelles dans une ère de relativisme hypocrite.
Henry Fonda ne nous a jamais semblé être un dur à cuire, mais dans la suite de la trilogie Dollars de Sergio Leone, Fonda joue l'un des mercenaires les plus détestables qui soient.
C'est troublant, comme de voir M. Rogers faire un wedgie à un enfant. Quarante minutes de coupures ont tué la sortie américaine originale, mais le film a finalement retrouvé toute sa grandeur en 1984.
"So here they are, the dog-faced soldiers, the regulars, the 50-cents-a-day professionals, riding the outposts of the nation."
L'entrée du milieu de la trilogie Cavalry de John Ford avait sa société par actions à son plus haut niveau de sentimentalité et présentait la photographie oscarisée de Monument Valley en Technicolor.
Le Duc, dont l'air d'autorité inhérent a joué en sa faveur lorsqu'il jouait des personnages plus âgés, a trouvé l'un de ses rôles les plus indélébiles dans celui de l'officier à la retraite Nathan Brittles.
Cela fait vraiment près de dix ans que ce film a remporté l'Oscar du meilleur film et que Clint Eastwood a été élu meilleur réalisateur ?
Afin de donner vie à ce projet, Eastwood a troqué son statut de dernière star du genre à pouvoir bénéficier d'un financement pour faire réaliser un western dans un marché axé sur les jeunes, puis a élaboré une étude de personnage sombrement poétique qui a trouvé plus à condamner qu'à célébrer dans notre mythe du western.
Quand une personne de plus de 60 ans remporte un Oscar, on suppose qu'il s'agit d'un prix de carrière. Le plus grand compliment que l'on puisse faire à Eastwood and Unforgiven est que personne n'a même pensé à le demander.
La plupart des gens ont découvert Tombstone après qu'elle ait été filmée. Comme l'"autre" film de Wyatt Earp, il a été éclipsé par la biographie épique de Kevin Costner, mais l'enthousiasme sans prétention de Tombstone nous a rappelé qu'un grand western n'avait pas besoin de se dérouler à l'échelle de Lonesome Dove ou de Dances With Wolves.
Kurt Russell ressemble remarquablement au vrai Wyatt, et l'inoubliable interprétation de Val Kilmer sur Doc Holliday est la meilleure performance de genre d'un acteur au cours des 20 dernières années. Attachez vos armes, Val - nous serons votre myrtille.
Il portait un masque noir et un chapeau blanc, une combinaison déroutante. Mais les enfants ont toujours su qu'il était un ami. Peu de personnages de la fiction occidentale sont aussi aimés que le Lone Ranger et Tonto, joués par Clayton Moore et Jay Silverheels.
L'association inspirée d'un cow-boy et d'un Indien était un paradigme d'harmonie raciale. Et à ce jour, on ne peut pas écouter l'ouverture de Guillaume Tell sans penser "Hi-ho, Silver !"
Nous sourions quand nous le disons - aucun roman occidental n'a été plus dramatisé que Le Virginien. Il avait été filmé deux fois avant que Gary Cooper ne joue le rôle de la marée dans le premier long métrage de western "parlant".
Les versions suivantes sont apparues en 1946 et en 2000, et une série télévisée a débuté en 1962 et s'est poursuivie pendant neuf ans. Mais c'est du Virginien de Cooper que nous nous souvenons, pour son tour de force et le tournoiement de la moustache du vilain Walter Huston.
Ce qui est étonnant avec les westerns d'Anthony Mann, c'est la façon dont chacun de ses personnages est pleinement développé, de la version folklorique de Will Geer contre Wyatt Earp au barman en service dans son saloon.
Winchester 73, l'histoire de "l'arme qui a gagné l'Ouest", suit Jimmy Stewart alors qu'il retrace la provenance de son fusil volé à travers une série de propriétaires peu recommandables, qui ont tous été terrassés par le karma de la frontière.
Le western était en difficulté dans les années 1970, alors quand Blazing Saddles est entré dans les salles de cinéma, les fans se sont demandés s'il signifiait une renaissance du genre ou le dernier clou de son cercueil.
Dix ans plus tard, c'était toujours le western le plus rentable de l'histoire. Le chef-d'œuvre grossier de Mel Brooks contenait suffisamment de moments de rire pour dix films, de la tristement célèbre scène du feu de camp à l'adieu à Marlène Dietrich de Madeline Kahn.
Les cinéphiles étaient habitués à voir la cavalerie américaine venir à la rescousse, les trompettes de combat retentissant. John Ford voulait approfondir l'étude d'un régiment typique, le travail quotidien des soldats dans les avant-postes isolés, leur vie personnelle et la façon dont ils font face à la menace constante d'une attaque.
Fort Apache a inauguré la trilogie historique de la cavalerie en rappelant que parfois les gentils ne gagnent pas.
Un homme qui vit selon la loi des armes peut-il emprunter un chemin plus éclairé ? Quirt Evans (John Wayne), sur la piste de la vengeance, doit choisir entre tuer l'homme qui a assassiné son père et s'installer avec une gentille fille de ferme jouée par Gail Russell, la plus sexy des filles quakers dans les films. Une entrée sous-estimée dans le canon de Wayne.
Une comédie qui plaît aux foules et qui a trouvé un écho auprès des baby-boomers d'âge moyen. Un trio de copains de la Grosse Pomme (Billy Crystal, Daniel Stern et Bruno Kirby) se joint à la collecte de bétail de Jack Palance et découvre le seul secret de la vie. Palance a remporté l'Oscar du meilleur second rôle et un veau nommé Norman est devenu le bovin le plus aimé depuis Ferdinand.
Les cow-boys d'entreprise de la série télévisée Dallas se sont promenés en coupé Mercedes-Benz et ont tenu leur spectacle dans des gratte-ciel de verre et d'acier. Pas exactement un western traditionnel, mais sous les excès du soap-opera, les Ewings étaient des éleveurs qui se battaient entre eux mais qui faisaient toujours tourner les wagons contre une menace extérieure.
Bon, la douche de Bobby, qui annule la saison, était une dérobade. Mais J.R. Ewing a été le cow-boy le plus célèbre d'Amérique pendant plus d'une décennie, et quand il a été abattu, le monde entier s'est demandé quel était son nom.
Jimmy Stewart joue le rôle d'un impitoyable chasseur de primes qui, lorsqu'on lui dit que son captif est innocent, répond : "C'est sur lui qu'ils vont payer la récompense." Robert Ryan est superbe dans le rôle du méchant manipulateur qui tente de rompre l'alliance précaire entre Stewart et les compagnons qui l'ont rejoint sur la piste. Un autre drame psychologique intense de Stewart et Anthony Mann.
Le réalisateur Raoul Walsh a choisi John Wayne pour The Big Trail sur les conseils de John Ford, qui a déclaré qu'il "aimait le look du petit nouveau avec une drôle de démarche". Wayne est passé de figurante à star, ce qui aurait été une grande découverte si le film avait été un succès.
Mais The Big Trail mérite toujours d'être vu, non seulement pour le travail de Wayne en début de carrière, mais aussi pour ses remarquables panoramas au grand écran et ses scènes d'action proches du cinéma-vérité, dont la traversée d'une rivière lors d'une violente tempête qui a failli noyer les acteurs.
Tant que le vent continuera à balayer la plaine, nous ne nous lasserons pas de passer du temps avec Curly, Laurie et Ado Annie, et d'écouter "Oh, What a Beautiful Morning", "Surrey with the Fringe on Top", "People Will Say We're in Love", et le reste de la splendide partition de Rodgers et Hammerstein "Oklahoma !
Henry Fonda, James Coburn et Charles Bronson ont laissé passer la chance d'incarner un vagabond sans nom dans une reprise occidentale du film japonais Yojimbo. Le réalisateur Sergio Leone s'est contenté de l'acteur de télévision Clint Eastwood, qui a encaissé un chèque de 15 000 dollars pour le film qui a fait de lui une star internationale. Eastwood a sagement supprimé la plupart de ses répliques du scénario pour renforcer le personnage mythique du vagabond.
Un train rempli de gadgets, un nain mégalomane, et Robert Conrad en pantalon très serré. Les agents des services secrets James West (Conrad) et Artemus Gordon (Ross Martin) ont été le duo dynamique original de la télévision dans ce western parodique et plein d'action. Une seule rediffusion effacera tout souvenir de l'horrible film du même nom de 1995.
Dire que c'est la contribution de l'Australie à l'Occident n'est pas un grand compliment. (Il n'y a pas beaucoup de concurrence.) Mais The Man From Snowy River a capturé l'esprit mythique de l'Ouest aussi bien que n'importe quel produit local, peut-être parce qu'il était basé sur une légende australienne vénérée.
Nous avons vu des chevaux galoper sur une vaste étendue des milliers de fois. Snowy River a rendu ces scènes à nouveau inspirantes. Les critiques ont haussé les épaules ; le public est tombé amoureux.
À l'exception de ses séquences d'ouverture, The Ox-Bow Incident a été tourné presque entièrement avec des fonds peints et des ombres et lumières artificielles. Le sentiment d'enfermement convient bien à cette sombre histoire de lynchage d'innocents et à ses répercussions sur les habitants de la ville.
Drame Anthony Mann par excellence, mettant en vedette le cow-boy préféré du réalisateur, James Stewart, animé par une obsession. Dans leur dernière collaboration, Stewart traque les hommes qui ont vendu des armes aux Apaches, ce qui a entraîné la mort de son frère. Si Shakespeare avait écrit une tragédie occidentale, elle aurait pu ressembler à ceci.
Moody et très sombre, plus un film noir qu'un opéra de cheval, avec Robert Mitchum dans le rôle d'un vagabond aux cheveux longs pris entre des éleveurs et des colons en guerre. Mitchum, un personnage sournois dans n'importe quel décor, joue si bien du relativisme moral que même quand il fait ce qu'il faut, on ne lui fait toujours pas confiance.
Autant en emporte le vent, à l'occidentale. Gregory Peck et Jennifer Jones sillonnent le désert de l'Arizona en Technicolor. Le producteur David Selznick promet "une image de mille moments mémorables". Le public l'a baptisé "Lust in the Dust". Mélodramatique, exagéré, et tout simplement trash - mais dans le bon sens du terme.
"Il faut un tas de temps, des années pour construire une propagation. Je ne les ai pas... des années, plus maintenant." Un noble cow-boy au crépuscule, magnifiquement photographié par Lucien Ballard et joué par Charlton Heston dans l'une de ses performances les plus discrètes. Dommage que les cinéphiles aient préféré le voir combattre des singes sales dans un autre film de 1968.
Une pièce complémentaire de High Noon, avec un méchant plus charismatique. Quelqu'un doit regarder le hors-la-loi capturé Glenn Ford jusqu'au train de 15h10, mais personne ne veut ce travail, sauf un fermier désespéré (Van Heflin), qui a besoin de la récompense de 200$ pour nourrir sa famille. Un drame psychologique tendu.
La dernière entrée dans la majestueuse trilogie Cavalry de John Ford, et la première équipe de John Wayne et Maureen O'Hara, un match fait au paradis du cinéma. Les lignes de soldats montés à Monument Valley n'ont jamais été aussi inspirantes, mais le meilleur moment reste celui où le régiment fait la sérénade à O'Hara avec "I'll Take You Home Again, Kathleen".
Pendant 14 ans, les aventures de Ben Cartwright et de ses fils Adam, Hoss et Little Joe ont été une tradition du dimanche soir. Les histoires traitaient davantage de la famille que des héros et des méchants, mais elles ne reculaient pas devant des sujets aussi graves que la toxicomanie et les préjugés raciaux.
C'est une bonne chose que ces quatre hommes se soient rencontrés (et qu'ils aient chanté Hop Sing, bien sûr), car les petites amies sur le Ponderosa avaient une espérance de vie alarmante.
Burt Lancaster joue Wyatt Earp et Kirk Douglas joue Doc Holliday, et c'est à peu près tout ce que vous avez besoin de savoir. C'est la meilleure des nombreuses collaborations des deux stars, en particulier avec Rhonda Fleming, l'une des meilleures actrices occidentales, qui nous accompagne. La fusillade finale est un véritable choc.
Parfois, la magie se produit par accident. El Dorado semble être un exercice de mise en mouvement ; une finale non officielle d'une trilogie de westerns d'Howard Hawks (Rio Bravo et Rio Lobo sont arrivés en tête), tous avec John Wayne, dans laquelle les histoires sont plus ou moins interchangeables. Mais Wayne, Robert Mitchum et James Caan jouent le matériau familier avec un clin d'œil irrésistible à l'autre et au public.
Ce fut le premier western de Clint Eastwood, à la fois comme vedette et comme réalisateur, et il a donné un nouveau sens à l'expression "peindre la ville en rouge". Clint Eastwood s'essaie à un autre homme de peu de mots, mais ses scènes avec le petit Billy Curtis offrent un soulagement comique inattendu.
Personne n'a mieux joué le héros réticent que James Garner, dont le charme décontracté s'intègre parfaitement dans cette délicieuse comédie.
À une époque de l'histoire de la télévision où toutes les autres séries étaient des westerns, les téléspectateurs n'avaient pas encore rencontré un personnage comme Paladin (Richard Boone), le suave et sophistiqué tireur d'élite avec la carte de visite du chevalier d'échecs.
Un employé d'hôtel de Chicago libère un cow-boy de ses dettes, en échange d'un emploi dans sa prochaine expédition de bétail. Une terrible discorde Est-Ouest, personnifiée par Jack Lemmon et Glenn Ford.
L'homme sans nom de Clint Eastwood rencontre Lee Van Cleef, l'homme sans expression faciale. La violence s'ensuit.
Souvent négligée parmi les grandes comédies musicales de la MGM, Annie Get Your Gun a une extraordinaire partition d'Irving Berlin, Betty Hutton dans le rôle d'Annie Oakley, et plus de cow-boys dansants que Gilley à son apogée.
La superbe photographie de Gordon Willis met en valeur cette tournure de l'après-guerre sur la vieille histoire des éleveurs indépendants assiégés par les grandes entreprises.
Dans The Sons of Katie Elder, John Wayne et Dean Martin reprennent leur chimie du Rio Bravo alors que quatre frères traquent l'assassin de leur père, sans l'aide des hommes de loi locaux.
Un film muet historique mettant en vedette le premier héros de cow-boy de l'écran, William S. Hart. La scène palpitante de la ruée vers la terre reste un tour de force cinématographique.
Un western irrévérencieux et non traditionnel avec James Garner dans le rôle de l'affable Bret Maverick, un joueur qui, quand les ennuis l'appellent, est toujours prêt à sortir par la fenêtre et à s'enfuir.
Le Duc s'en est finalement sorti avec un Oscar dans le rôle de l'irascible Maréchal Coq Cogburn. John Wayne a qualifié les souvenirs de Rooster de sa vie pour accompagner Kim Darby de "meilleure scène que j'aie jamais faite".
Le réalisateur George Stevens a remporté l'Oscar pour les visuels étonnants de Giant, dont l'image emblématique de James Dean, chapeau de cow-boy bas sur le front, allongé au volant d'un roadster d'époque.
L'épopée frontalière de Cecil B. DeMille sur Wild Bill Hickok et Calamity Jane entoure Gary Cooper et Jean Arthur avec 2 500 figurants sioux et cheyennes. Notez le générique dramatique de Star Wars-style.
Quelle est la meilleure bagarre de bar de l'histoire des films de western ? Ce doit être le Donnybrook à Dodge City, avec Errol Flynn, Olivia de Havilland et un saloon condamné.
Deux icônes du western, Joel McCrea et Randolph Scott, se remettent en selle pour des performances qui couronnent leur carrière dans l'hommage poétique de Sam Peckinpah à un mode de vie en voie de disparition.
Bien avant que La Croisière s'embarque, Wagon Train rassemblait chaque semaine des invités différents pour une expédition riche en événements. Et contrairement au maître de wagon Ward Bond, le capitaine Stubing n'a jamais eu à se soucier des attaques des Indiens.
Bob Hope a des ennuis avec les hors-la-loi et est sauvé par un rassemblement historique de cow-boys hollywoodiens, dont Roy Rogers, Gene Autry, Gary Cooper, Hugh O'Brian dans le rôle de Wyatt Earp, James Arness dans celui de Matt Dillon et Fess Parker dans celui de Davy Crockett.
Un shérif devenu chasseur de primes désabusé (Henry Fonda) donne des cours à un homme de loi inexpérimenté (Anthony Perkins) dans cet intense classique d'Anthony Mann.
L'Amérique rencontre Clint Eastwood dans le rôle de l'éleveur Rowdy Yates et chante entre deux coups de fouet la meilleure chanson de western jamais diffusée à la télévision.
Une tentative ambitieuse de faire revivre le western old-school par l'écrivain Lawrence Kasdan, qui parvient à saluer et à faire remonter simultanément tous les clichés du genre.
Après avoir dépeint les Indiens comme des canards de galerie de tir pendant 25 ans, le réalisateur John Ford a changé de camp dans son dernier western. Émouvant, sincère et attendu depuis longtemps, même si les chefs Cheyenne sont interprétés par Ricardo Montalban et Gilbert Roland.
Trois cow-boys trouvent un bébé : Le regard de John Ford sur cette histoire souvent filmée est sentimental dans le bon sens et a donné à John Wayne une chance d'élargir son personnage familier à l'écran.
Le passage du Vieux Ouest a été saisi de façon indélébile : une image inoubliable lorsque le cow-boy fugitif Kirk Douglas tente de traverser une autoroute à cheval.
Une pure farce comme biographie du célèbre hors-la-loi, mais un grand divertissement avec Tyrone Power dans le rôle de Jesse et Henry Fonda dans celui de son frère Frank, et des cascades de cheval parmi les plus périlleuses jamais filmées.
Les courants provocateurs de cette histoire d'un mercenaire (Henry Fonda) et de son fidèle compagnon (Anthony Quinn) vont occuper les Freudiens pendant des heures.
Tommy Lee Jones dirige et joue dans un western télévisé tendre et humoristique avec une distribution de qualité (Frances McDormand, Sissy Spacek, Matt Damon).
Les rôles principaux féminins sont rares dans les westerns, alors c'est un plaisir de voir le talentueux Jean Arthur tirer un "rootin' too tin", un shoot-'em-up avec seulement un minimum de soutien de la part de William Holden.
Des complications liées aux droits d'auteur et une série d'autres cockleburs juridiques ont empêché la diffusion de cette comédie mettant en scène John Wayne et Maureen O'Hara pendant des décennies. Nous nous sommes demandé si McLintock ! était aussi bon que dans nos souvenirs, puis il a été diffusé en vidéo. Oui, elle l'était.
Jane Fonda joue le rôle titre, une institutrice devenue bandit, mais Lee Marvin vole le film dans un double rôle oscarisé, couronné par l'interprétation la plus drôle de "Happy Birthday" de l'histoire du cinéma.
Dennis Weaver a fait le portrait du maréchal du Nouveau-Mexique Sam McCloud, qui tirait des snickers des détectives de la police de Manhattan pour son manteau en peau de mouton et son chapeau de cow-boy, jusqu'à ce qu'il les batte à chaque fois contre les méchants.
Cascadeur devenu acteur, Richard Farnsworth a attendu 40 ans pour un rôle principal, puis est devenu du jour au lendemain une sensation en tant que voleur de train vieillissant.
République ... nous aimons le son de ce mot. John Wayne joue le rôle de Davy Crockett dans une représentation historiquement honnête du célèbre siège. Méprisé en son temps, le film s'améliore à chaque projection.
La morale de cette histoire est de ne jamais prendre une nonne en stop. Le couple bizarre formé par Clint Eastwood et Shirley MacLaine fait vraiment tilt.
Cecil B. DeMille est un mélange typiquement audacieux d'histoire et de fiction, avec Barbara Stanwyck dans l'un de ses meilleurs rôles de fille dure.
L'histoire d'Elmore Leonard, un Blanc élevé par les Apaches, ne fait pas de vagues dans sa condamnation du racisme à la frontière.
Unique parmi les westerns télévisés, l'histoire continue en suivant la vie historique de Wyatt Earp (Hugh O'Brian) jusqu'à Tombstone, où la saga du OK Corral se déroule en cinq épisodes.
Comédie brillante avec une fin terriblement tordue, avec Henry Fonda et Joanne Woodward dans le rôle d'un couple de fermiers qui risquent leurs économies dans une partie de poker à gros enjeux.
Un hors-la-loi décontracté (Willie Nelson) se lie d'amitié avec un garçon de ferme en fuite (Gary Busey) dans cette étude de caractère aimable et bien photographiée.
Un classique des vacances. Roy Rogers sauve l'entreprise d'arbres de Noël de Jack Holt avec l'aide d'une troupe de héros occidentaux, dont Rex Allen, Allan "Rocky" Lane et Ray "Crash" Corrigan.
Le propriétaire du ranch, Kirk Douglas, fait correspondre son testament avec celui d'une baronne des bovins (Jeanne Crain), tout en essayant de garder les clôtures loin de son coin de frontière.
Beaucoup de westerns portent le titre de "Big". La raison pour laquelle celui-ci n'est pas plus célébré est un "grand" mystère, bien qu'il gagne de nouveaux adeptes à chaque diffusion sur Turner Movie Classics.
La meilleure des nombreuses biographies cinématographiques du célèbre chef apache, avec une performance de Wes Studi dans le rôle de Géronimo.
"Hé, Pancho !" "Oh, Ceeesco !" Si vous n'avez pas grandi en appréciant cet échange tous les samedis matin, nos plus sincères condoléances. Duncan Renaldo et Leo Carrillo ont joué les célèbres héros mexicains.
Une épopée gargantuesque à l'écran qui raconte trois générations d'une famille de pionniers. Long mais captivant, avec une douzaine de stars et l'un des meilleurs scores d'Alfred Newman.
Roméo et Juliette dans un ranch, avec l'Amérique et le Mexique comme familles litigieuses. Le mariage de "Big John" Cannon (Leif Erickson) et de son épouse mexicaine, Victoria (Linda Cristal), a inauguré cinq années de pierres sophistiquées.
Le premier western à remporter l'Oscar du meilleur film met en vedette Richard Dix et Irene Dunne dans le rôle des Easterners qui se dirigent vers l'ouest. Daté, mais une étape essentielle dans la maturation du genre.
"Bloody Sam" Peckinpah prouve qu'il pourrait faire un bon film de PG avec ce regard réfléchi sur la vie de rodéo, avec Steve McQueen dans le rôle d'un vieux cavalier de taureau.
Barbara Stanwyck avait le don de bien travailler dans un contexte de frontière, et elle a trouvé son meilleur rôle de western non pas au cinéma mais dans cette série télévisée populaire qui mélangeait un bon drame à beaucoup d'action.
Voyez ! Gene Autry combat des robots brandissant des torches ! Frisson ! Aux aventures du chanteur dans le royaume de Murania ! Riez ! A quel point on s'amusait au cinéma autrefois, quand des séries comme ce western de science-fiction décalé étaient diffusées avant le long métrage.
Dans le premier film de Clint Eastwood après la trilogie Dollars, il joue le rôle d'un innocent éleveur condamné pour meurtre. Une tentative animée de cuisiner la recette de spaghetti de Leone aux États-Unis.
Audrey Hepburn dans un western est une raison suffisante pour regarder celui-ci, mais ce film de John Huston présente également de belles performances de Burt Lancaster et de la starlette légendaire Lillian Gish.
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