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Il y aura toujours beaucoup de débats sur la meilleure époque pour le cinéma. Pour mes deux cents, je dirai avec beaucoup d'assurance que la meilleure période de l'histoire du cinéma a été les années 70.
Il y a certainement eu une transition au cours de cette décennie qui a vu le cinéma de la fin des années 60 se poursuivre, jusqu'à la naissance de la superproduction telle que nous la connaissons aujourd'hui.
On pourrait presque diviser les années 70 en deux catégories, même si je vais aussi mentionner des sous-catégories comme la période de la Blaxploitation. D'une part, les réalisateurs commençaient à s'éloigner le plus possible du code de production classique traditionnel d'Hollywood.
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Les limites étaient repoussées et l'optimisme était remplacé par un travail profondément pessimiste. Tout n'a pas eu une fin heureuse. Les choses s'assombrissaient, reflétant une période difficile de l'histoire sociale, alors que nous passions de l'ère des droits civils à celle de Nixon, du Vietnam et de la lutte économique à travers l'Occident. En fin de compte, les choses allaient passer de tensions en Extrême-Orient à des tensions avec la Russie.
La dernière guerre mondiale était encore relativement récente et les violents conflits de la fin des années 60 et le sentiment de malaise qui accompagne ces conflits ont fait de cette période une période inquiétante et troublante de l'histoire sociale. Comme pour toute chose, cela se reflète dans le cinéma.
Cela peut parfois fonctionner de plusieurs façons. Il y a soit un penchant pour le cinéma socialement réfléchi, soit plus pour le cinéma d'évasion et vers la fin des années 70, nous avons vu la transition du premier au second.
Au début des années 70, ces films plus courageux et une nouvelle vague de réalisateurs frais et revigorants, comme Francis Ford Coppola et Martin Scorsese par exemple, ont offert une sélection de films souvent austère mais élégante.
De même, un groupe d'acteurs (et d'actrices) exceptionnellement prometteurs comme Robert De Niro, Al Pacino, Dustin Hoffman, Jack Nicholson, Meryl Streepet Harvey Keitel allait commencer à ouvrir la voie au remplacement des stars dorées d'Hollywood plus atypiques. Le moule de Cary Grant etc. Ils allaient continuer à forger un chemin que quelqu'un comme Marlon Brando avait commencé à graver.
L'approche méthodologique deviendra beaucoup plus courante à cette époque et établira fermement une approche audacieuse et audacieuse que les futurs acteurs adopteront. De même, en comédie, les pitreries physiques de Jerry Lewis ont été remplacées par les réflexions névrotiques de réalisateurs comme Woody Allen et Albert Brooks. Ce que nous connaissons plus récemment sous le nom de mumblecore, s'inspire fortement des œuvres d'Allen etc.
Sans trop entrer dans les détails du fonctionnement de ces films, car chaque film que je pourrais citer vaut bien un livre de théorisation à lui seul, il va sans dire que la quantité de cinéma classique qui est sortie de cette décennie est stupéfiante.
Oui, il serait bien trop facile de se contenter de pointer du doigt deux parrains et de les appeler le summum du cinéma. Ce sont sans aucun doute des chefs-d'oeuvre. Nous savons pourquoi. Je vais donc les éviter. Leur réputation les précède.
En restant avec Coppola, je vais parler un peu d'un exemple classique de film qui incarne parfaitement l'approche du cinéma des années 70. Il était opportun, stimulant et sombre. C'était aussi un exemple d'un des films les plus malheureusement placés sur le CV d'un réalisateur dans l'histoire.
Ce film ne pouvait pas être moins bien placé qu'il ne l'était, car le placement lui-même a vu le film aspiré dans un trou noir. Il était totalement éclipsé par ce qui le précédait et le suivait.
Il s'agit de The Conversation, le film minimaliste, simple et dépouillé qui a été pris en sandwich entre les deux premiers films grandioses de Coppola, Le Parrain. En soi, La Conversation est un film brillant. C'est un chef-d'œuvre. Engageant, intelligent, exceptionnellement écrit et d'une manière étrange, il semble être une pensée après coup. On dirait qu'elle remplit le temps.
Il comble un vide entre les épopées de gangsters. De chaque décor coûteux et élaboré, de la mise en scène et du montage du Parrain, au cadrage magnifiquement simple et à l'immobilité de La Conversation.
Ce film mérite de figurer dans le top 100. D'accord, il n'a peut-être pas le dessin iconique de l'exceptionnel duo de gangsters de Coppola (nous ne mentionnerons pas le troisième volet), mais Gene Hackman donne l'une de ses performances les plus introspectives et les plus efficaces, dans un film au design sonore exquis et à la représentation passionnante d'une dépression nerveuse due à la paranoïa.
Je ne saurais trop insister auprès de ceux qui l'ont manqué, mais vous devez absolument regarder The Conversation.
Coppola terminera la décennie avec une épopée guerrière tentaculaire qui, stylistiquement, est l'antithèse de l'approche simple qu'il a utilisée dans le classique de Hackman mentionné plus haut.
Apocalypse Now était un procès tortueux à faire. Il a failli coûter la vie à Martin Sheen. Coppola a adopté une approche perfectionniste à cet égard. Chaque image de chaque scène est un art. C'est un film magnifique avec des visuels saisissants qui jouent magnifiquement avec l'horreur sinistre de ce qu'il dépeint réellement.
Tout, depuis les vastes décors visuellement éblouissants jusqu'à l'intimité de la performance étrange mais intensément immersive de Marlon Brando, est une œuvre de génie qui définit le genre.
S'il est une chose qui incarne parfaitement le standard des années 70 par rapport au reste, c'est bien le CV de Coppola. Il a fait un excellent travail tout au long des années 80 (I love Rumble Fish) mais rien ne ressemblait à la saga Corleone, à son épopée Nam ou même à The Conversation.
Scorsese s'est lancé dans Mean Streets, un film de gangster brut et élégant qui montrait une représentation beaucoup moins romancée et moderne (à l'époque) des... eh bien... des rues méchantes.
Les années 1970 ont été une période de Scorsese brut et expérimental. Le grand moment arrivait et, dans une certaine mesure, cette vivacité créative et nerveuse qu'il avait atteint son apogée à la fin de la décennie avec Raging Bull.
Au début des années 80, il avait perfectionné son art et, dans dix ans, il allait réaliser un chef-d'œuvre dans Goodfellas. Cependant, l'un de ses films les plus élégants et les plus introspectifs est Taxi Driver.
C'est un réalisateur en pleine ascension, plein d'idées nouvelles, d'audace et d'instinct. De Niro était fascinant. Près de 90 % de ce qui rend sa performance si captivante est interne. Travis Bickle attire le public, exigeant notre attention et notre interprétation.
Le film ne ressemble à rien de ce que Scorsese a fait depuis. En fin de compte, il était également opportun. C'était un film atypique des années 1970 et les représentations romantiques de New York ont largement disparu, remplacées par des films comme Taxi Driver. Voir aussi LA, Chicago et San Francisco. Les cinéastes montraient désormais les dessous de la scène.
Même dans un film d'époque, tout était très moderne. Chinatown, par exemple, jouait comme un vieux gommier noir, mais tout en lui dégoulinait (brillamment) dans le pessimisme des années 1970.
Cette époque n'était pas seulement celle des fusées éclairantes et des gros cheveux, loin s'en faut, et certainement pas sur le plan cinématographique. Jack Nicholson était en train de s'établir fermement dans la nouvelle vague, tandis qu'en tant que réalisateur, Roman Polanski commençait à se faire un nom en dehors de l'Europe (et avant de se faire un nom pour quelque chose de tout à fait moins savoureux).
Le film, qui est un aussi bon exemple de scénario (Robert Towne) que vous pouvez le voir, est sans conteste sinistre et ne recule devant rien de ce qui y est dépeint, qu'il s'agisse de corruption d'entreprise ou de police ou de viol incestueux.
Au moment où l'immortel mot de la fin, "It's Chinatown", est prononcé après une des fins les plus sombres et bouleversantes du cinéma, le spectateur est brisé, mais l'emprise, cet état de visionnage captivant et passionné, est relâchée. Chinatown, comme beaucoup de cinéma à cette époque, reste avec vous.
Vous pouvez regarder toute une série de films difficiles, sombres et puissants de l'époque, du gros budget au petit budget. The French Connection, Marathon Man, le magnifiquement brut et viscéral, Badlands.
De même, quand vous voyez un film comme All The Presidents Men, cela montre que les cinéastes n'ont pas peur de l'histoire immédiate. Ils traitaient de l'ici et du maintenant, ne laissant pas les blessures cicatriser en premier.
Il y a donc un groupe d'étoiles montantes et de réalisateurs qui sont à l'origine de styles nouveaux et revigorants. Mais pendant ce temps, des stars et des réalisateurs solidement établis travaillaient toujours.
Brando, qui a réécrit les règles du jeu dans les années 50, produisait toujours des spectacles emblématiques pour Coppola. Sidney Lumet, un metteur en scène qui a inspiré de nombreux réalisateurs émergents des années 70 (y compris FFC et Scorsese), produisait toujours certaines de ses meilleures œuvres, comme Dog Day Afternoon et Serpico (qui n'ont pas fait de vagues dans leurs représentations des troubles sociaux et de la corruption institutionnelle).
Cette époque a également été une période clé du cinéma d'exploitation. Des réalisateurs comme Michael Winner (Death Wish) et Abel Ferrara entrent dans l'arène. Leur cinéma était mal soigné, un peu trash, mais étrangement perspicace.
Parmi les détritus de Death Wish, il y a un commentaire social éloquent. Il ne parle pas seulement du cadre de la ville d'American City, mais aussi de la société occidentale dans son ensemble à cette époque. C'est un film qui pourrait tout aussi bien être tourné et se dérouler à Londres.
En effet, si vous regardez le monde sombre et ténébreux de Get Carter(Mike Hodges), les Britanniques semblaient certainement vouloir s'éloigner des représentations romantiques de la vie urbaine. Si des personnages comme Coppola déchiraient le traditionalisme, comme les formes rigides de tir, l'éclairage en trois points, etc. Ils repoussaient aussi, sans raison, les limites de la commission d'évaluation.
C'était une époque où les films pornographiques étaient très répandus. Le code de production d'Hollywood était en flammes. Tout le monde poussait les niveaux de goût et de décence et tentait sa chance. Deep Throat, Debbie Does Dallas et les autres.
En même temps, nous avons vu un fort mouvement noir avec la montée du cinéma de la Blaxploitation. Soudain, une population qui n'avait pas été prise en compte auparavant émergeait.
Bien sûr, le mouvement des droits civiques y a contribué. Il n'y avait pas que le public standard atypique (souvent considéré par Hollywood comme des hommes blancs, et à la limite, des femmes blanches) qui réclamait un cinéma plus réaliste et plus brut, il y avait aussi un public minoritaire qui réclamait quelque chose pour lui-même.
Pendant que Pacino et De Niro etc. faisaient leur truc (avec leurs propres identités italiennes/américaines distinctes), nous avons vu des stars comme Richard Roundtree, Fred Williamson, Pam Grier et Jim Killy jouer dans une collection de films d'exploitation branchés, cool et injectés d'attitude.
Qu'il s'agisse de Shaft, Coffy ou Foxy Brown, ces films n'étaient pas tout à fait réalistes. Il s'agissait essentiellement de films de bande dessinée avec une touche trash de citron.
À certains égards, ces films étaient un moyen de contourner la tradition et même la nouvelle vague hollywoodienne (qui avait commencé à présenter souvent des personnages noirs comme faisant partie de gangs criminels, etc.)
Ce que tout cela montre, c'est à quel point le cinéma américain et britannique était merveilleusement éclectique. En même temps, il y avait beaucoup de cinéma expérimental.
Les gens s'éloignaient des systèmes de studio. Un collectif de diplômés d'écoles de cinéma réalisaient leurs propres films à petit budget et trouvaient des tremplins pour des œuvres plus importantes (Scorsese, Ferrara, FFC, etc.).
Des gens comme Terrence Malick ou John Cassavetes étaient tout à fait inhabituels dans leur approche stylistique et leur façon de raconter les histoires. Cassavetes, en particulier, avait un style très brut, mais il y avait une vérité observatrice dans tout ce qu'il faisait.
Le cinéma intéressant n'était pas seulement limité à l'Occident, bien sûr. Mais dans une certaine mesure, il rattrape tout simplement ce que le cinéma oriental et l'Europe ont déjà fait.
Pendant ce temps, malgré les tensions, le cinéma de l'Europe de l'Est commençait à attirer l'attention aux États-Unis. En fait, l'appréciation du cinéma mondial en tant que spectateur devient de plus en plus perspicace et ouverte à des influences plus larges.
Andrei Tarkovsky fusionnait magnifiquement l'art et l'esthétique de la photographie avec l'image en mouvement. Il a ouvert la voie à un groupe de réalisateurs russes et d'Europe de l'Est. Le cinéma français avait déjà pris le pas sur une grande partie du groupe ; le cinéma américain était maintenant, à la fin des années 50, jusqu'aux années 60, tandis que des expérimentateurs comme Godard continuaient à travailler solidement.
Comme je l'ai dit, je pourrais consacrer des articles entiers à chaque personne mentionnée, mais je ne suis pas sûr qu'Internet ait la capacité de stockage nécessaire à mes divagations. Les Polanksi et Milos Forman mentionnés ci-dessus feraient également le saut de leurs pays respectifs vers la gloire hollywoodienne.
Les films d'horreur étaient en train de révolutionner leur style. Ils reprennent les graines cousues par des personnages comme Hitchcock ou Michael Powell (Peeping Tom). Les approches stylistiques sont repoussées et les limites sont repoussées en matière de vidéo-surveillance, de couleurs et de montage.
Enfin, les choses deviennent de plus en plus sombres (sataniques), terrifiantes ou sanglantes. Nous avons eu L'Exorciste, Rosemary's Baby, The Omen et ensuite les films de Giallo qui nous sont parvenus d'Italie. Dario Argento était en tête, avec des films d'horreur électrisants comme Deep Redet Suspiria, un mouvement de réalisateurs créatifs, bousculant les limites et sans retenue.
À la fin des années 70, John Carpenter est arrivé et a réécrit les règles du slasher, ce qui a conduit à une série d'imitations et de franchises tout au long des années 80.
Comme je l'ai déjà mentionné, les choses s'éclaircissaient progressivement vers la fin de la décennie, car le public avait désormais besoin d'un peu d'évasion. Soudain, nous avons vu de l'espoir et de la bonté.
Un peu de fantaisie ici et là. De Dirty Harry, Deliveranceet Don't Look Now, à des films comme Rocky, Close Encounters of the Third Kind, Grease et, bien sûr, Star Wars. Aujourd'hui, les cinéastes cherchent de plus en plus à tirer des recettes du box-office plutôt que de défier la conscience intellectuelle ou sociale du public.
Il y avait encore un mélange dans les années 80, mais le paysage changeait définitivement vers le fantastique. Qu'il s'agisse de récits d'outsiders ou d'aventures spatiales. La réalité de l'ère post-Nixon-Nam devenait difficile à assimiler. Les gens voulaient voir la réalité, mais ils la vivaient aussi. Ils avaient besoin de quelque chose de différent.
Chez quelqu'un comme Rocky Balboa par exemple, cela montrait un certain espoir. Que même dans ces rues crasseuses pour l'homme ordinaire, il y avait une chance de quelque chose de plus grand.
Avant de briser la bande passante de Flickering Myth avec beaucoup plus, je vais vous demander à tous les deux quels sont vos films préférés des années 70 et, en effet, y a-t-il une meilleure époque pour le cinéma ?
Il vous suffit de chercher sur Google une liste de films des années 70 pour voir quelle a été la production exceptionnelle (dans le monde entier) de cette décennie. Je ne pense pas qu'on puisse la surpasser.
Vous pouvez également retrouver notre top 100 des meilleurs films tournés à New York toutes époques confondues !
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